Elsa Carvajal, líder y rostro del proyecto conocido como Elsa y Elmar, charló con nosotros respecto al lanzamiento de su más reciente placa de estudio, Eres Diamante (Independiente, 2019), álbum que visita distintos terrenos y matices que podrían sorprender y alegrar tanto a propios como extraños.

-CM: A unas semanas del estreno de “Eres Diamante” ¿Cuál es el resultado?.

E: ¡Estoy feliz! Fue una sorpresa muy grande, no vi venir tanto amor hacia la canción. Fue como el abre bocas al disco. Lo introdujimos siguiendo mucho la intuición de los sencillos que llevaran a que cuando saliera el disco, la gente pudiese conectar y entenderlo de una manera bonita; así fue ¡Y estamos muy contentos!

-CM: Llamó mucho mi atención el hecho de que para promocionar “Eres Diamante”, crearon un afiche muy similar a los utilizados en el cine ¿Cómo surge la idea?.

E: Gracias a la vida, se me han ido apareciendo personas como muy talentosas que se han sumado a mi proyecto casi que a cambio de nada; en este caso, Dan Petris, que es un diseñador muy conocido acá, que hace los afiches de las cintas mexicanas y de las series de Netflix, quiso hacerle un afiche tipo película al video. Así se dio.

-CM: Háblame del proceso de gestación del álbum.

E: Comenzamos a grabar en abril de 2017. La idea era que saliera al público en octubre del mismo año, pero resulta que el disco comenzó con un deseo artístico y personal de cambio; de transformarme; de exigirme, y en el proceso de esto, pues básicamente se me atravesó esa transformación que fue muy dura personalmente y demandante, tanto en mi salud y en mi vida; eso fue alimentando el proceso creativo y mi exigencia y expectativa ante el disco. Lo produjo Mateo Lewis, quien tuvo mucha paciencia, pero también fue muy exigente. Lo grabamos entre California; Los Cabos; Ciudad de México y al final en Los Ángeles. Músicos increíbles tocaron en él: El baterista de Father John Misty; un grupo de vientos muy talentoso de California. Grabamos en un estudio que se llama Fantasy, donde grabaron los grandes del Jazz. Ahí grabamos muchos de los instrumentos vintage como el órgano Rhodes de canciones como de “Ojos noche”; “Mierda” o “No te canses”. De todas las acústicas grabamos teclados allá, además de las baterías. Lo masterizó Dave Kutch, es de los que está mastertizando todo lo que se hace en el Pop actual; fue él quien nos mandó un e-mail personal en el que nos decía que hace mucho no disfrutaba tanto masterizar algo y fue así de “¡Wow!”, nos voló la cabeza.

-CM: Particularmente “Funciona” y “Puntos Medios” me parecen dos tracks muy arriesgados por el tipo de fusión sonora entre ritmos de lo que se podría denominar Música del Mundo y la actual Música Urbana. ¿Cómo se logra este resultado?.

E: ¡Basándonos en un alto nivel de honestidad y exigencia! Yo tenía mucha reserva respecto a incursionar en géneros que sonaran comerciales y que se escucharan urbanos. Lo quería hacer hace muchísimo tiempo, pero precisamente me dan mucho miedo las cosas “mal logradas”, o los intentos de fama para pacerte a lo que está pasando, pero tanto el productor como yo estábamos clavadísimos en eso, en el Dance Hall, en el mundo del Rap. El estudio donde grabamos quedaba en un Ghetto súper denso en Oakland, California, lo cual nos llevaba a querer ponerle un sub grandote a la canción, y querer ponerle unos hi-hats raperos, o sea, me llevaba a mi propio entorno, entonces creo que ese entorno como tan real de lo urbano en el que estábamos grabando el disco, nos hizo tener como un termómetro de pretensión. Por otro lado, con las canciones urbanas nos tardamos muchísimo en terminarlas, a diferencia de las baladas, pues en ese caso las sientes y vas, y con lo demás fue de muchísima experimentación, desde probar teclados hasta beats. Aunque parezca muy minimal, “Funciona” cuenta con 6 tracks en la canción, podría ser nada, pero el trabajo fue encontrar los tracks. Queríamos que el disco fuera Minimal; fresco; elegante y limpio, era lo que decíamos; entonces era grabar y después ver que le quitábamos y funcionó.

-CM: Aunado a esto, hay sampleos y otros elementos electrónicos dentro de la producción que evidencian cierta influencia de actos como Portishead, Massive Attack y Björk ¿Son fans de estas bandas?.

E: ¡Claro! Portishead sí es influencia; Björk también. Mi productor y yo descubrimos en este disco la libertad de capturar sonidos del día a día, es decir samplear cualquier cosa y usarlo en un contexto musical, cómo que creo que le vi una mística al estudio y a la cualidad de los elementos que estuvieran en el disco, todo tenía que ser grabado con la mejor calidad para que estuviera en el track, y en este disco ¡Nos enloquecimos! Agarrábamos sampleos de no sé; fui a grabar cosas en el metro de Europa con mi celular; o de repente un YouTube con Rastafaris hablando y entonces bajamos el MP3 y lo metemos a la canción, o grabar con el mismo celular una canción que se llama “Baby us”. Se me ocurrió que en medio de la canción quería que parara y se pusiera el voice note de guitarra y voz y no importa que se un MP3 de una calidad mala si le funciona al track; la verdad es que el sampleo sí fue una herramienta creativa que nos voló la cabeza y nos abrió un mundo de posibilidades en este disco ¡Me alegra que lo menciones, porque no había podido hablar de ese tema!.

-CM: Me parece toda una declaración de principios que hayan decidido lanzar un álbum con 12 tracks…

E: Para mí el disco es como una fotografía del periodo en que se hizo y creo que tiene un poquito de los dos mundos, porque comencé a sacar este disco desde febrero del año pasado. Salieron 5 canciones antes del disco y fácil pude haber seguido sacando una mensual, pero al terminar el proceso dos años después, vi muy claro la historia que este disco guardaba, la transformación que este disco significa y lo que es verlo terminado; que significa haber logrado esa premisa con la que lo empecé, entonces creo que sí es como un statement personal. Créeme que me dio una depresión post-parto, pues porque el rush de dopamina que te hace sacar sencillos de forma constante es relevante, sacar un disco es así como “Trabajé dos años; salió y bye”, se te fue esa cosita que tienes cuando tienes música que no ha salido y te sientes especial y medio duro, pero tenía que salir el disco para contar la historia de lo que fue vital en Eres Diamante.

-CM: Háblanos del video de “Eres Diamante”, tiene muchas referencias de los ’70.

E:Centré mis referentes visuales en gente como Cher, fue mucho brillo, fue como este filtro vintage que se pone a la cámara y que hace lucir todo bonito. Este video es una mezcla, porque después de mucho pensarlo, quería una idea de una transformación física de una persona que no se sentía bien con su cuerpo, con su ser y que a lo largo de la trama se transformaba y terminaba encontrando la seguridad, esa era la idea, pero yo lo pensaba por alguien, sobre un personaje viviéndolo y resulta que nada me vibraba, como que el director me proponía historias y yo no conectaba, hasta que llegué a la verdad de que fui yo quien vivió eso, no fue ningún personaje, fui yo quien no se sentía bien con lo que era, con lo que era su ser, y quien tuvo que cambiarlo; tenía que ponerle la cara a mi vida. No iba a haber historia ni personajes, se iba a trata de proyectar ese sentimiento que experimento y experimenté después de que viví lo que viví para hacer el disco; es una mezcla de la intimidad de tu casa o de tu lugar seguro en el cual de algún modo sientes que nadie te hace daño y que estás bien, pero también salir al mundo, que son esas escenas en las que estoy de amarillo y llena de diamantes, salir al mundo y enfrentar la vida sabiendo que tienes adentro esa fuerza, que es la metáfora de estar “endiamantada” absolutamente toda y que es la metáfora que va por ejemplo a que me van poniendo todos estos outfits durante el video y que al final termino con una máscara con diamantes; es como utilizar también el arte del estilismo, del maquillaje y del pelo. También le quitamos a la moda ese componente de que es sólo como para verte bonita y también significar algo con la moda.

Por: Joel Rodríguez